균형자 정팔면체 논고 초안 (1129일자 버전) 서문 균형자 모델은 예술 작품에 대한 사...

마그리트 전시테스트

testtesttesttesttesttesttest testtesttesttesttes...

작가노트 테스트  작품 제작에 있어 <들이는 시간에 비해 얼마나 더 효과적인 질료(1)를 쏟아낼 수 있고 자신은 어떤 만큼을 돌려받을 수 있는가?>라는 것이 얼마나 중요한지 상상할 수 없다. <예술의 관념, 예술의 관계미학, 예술의 종말>로 배워온 담론과 다원 관념 시대에 살면서 작품의 가성비를 위해 드러내거나 모른 듯 생략할 사안을 선별적으로 결정한다는 건 작업의 질에 대한 포기가 아니라 단지 작품 연장과 경제적 활동을 위한 모든 것이라는 점이다. ​ 그런 맥락에서 우리는 그런 예술의 상태를 시장미술이니 뭐니로 격하시켜야 할까?  예술 시장에 대한 비평 책과 강연을 보면. 마무리엔 "아니 예술은 (순수)해, 그래야만 해".로 귀결된다.  결국엔 기우는 시대의 순혈주의자의 생각일 뿐 연장하기 위한 작업을 해보지 못한 사람의 알량한 욕망일 뿐이다. 나조차도 경제성이 뛰어난 작품이 미워서가 아니라 할 맛이 나지 않았기 때문이지만 그런 필요성은 항상 느낀다. 그렇다면 예술은 반드시 사회를 반영하는 매개의 역할이 되어야만 개인 이상의 공중 예술의 계보를 잇는 셈이 되는가?  현재의 주목받는 예술 현장에서 사회의 반영, 국제적 반영, 모든 인간사회의 반영은 좋고 거대한 키워드다. 사람들이 예술에 기대하는 바도 "인간을 그대로 비추는" 다는 관념을 믿기 때문에도 그렇다. (1) : 본문에서 질료는 재료나 디지털 픽셀같은 시각적 표현을 위한 모든 적재되거나 제거 가능한 덩어리를 말한다.      비엔날레 예술. 우리가 너무 간단하게 '그거 대중적이잖아'라고 말하기 힘든 영역으로 남은 장소가 되었다.  하지만 갤러리 아트에서 벗어나 정말 유연하고 텍스트의 손실이 없이 회로를 얽기설기 짜낼 수 있는 토대이기도 하다. 충분히 말할 수 있는 기회가 있다면 비교적 누구도 자신을 굳이 편집하거나 좋아보이는 것만을 선별할 필요가 없어진다. 나의 머리 속에서는 예술의 큰 흐름은 두가지로 보인다.  갤러리 혹은 비엔날레. 아주 흔한 이분법 방식이다. 이분법을 통해서 두 관계를 완전히 찢을 의도를 가진게 아니라 크게 두가지 성향에서 이뤄지는 작동 구조를 보자는 것이다. 동시대 미술은 패러다임 변화를 꾀하는 과도기적 긴장 상태를 최소한으로 유지한다. 사실상 정(正)의 계가 실존하지 않고 다공적으로 존재하기 때문인데, 이 때문에 따라오는 반의 계는 대상을 잃어버린다.   보수적 관념과 진취적 관념의 충돌과 지연과 변화의 대화로 앞선 시대를 기약할 수 있다는 헤겔식 사고방식에서 탈피하고 모든 지나온 시대를 모두 수긍하고 공존되므로서 하나의 세계로 재형성시킨다. 하지만 그러한 다중적인 혹은 {앞선 무엇}이 무색해진 그 하나의 세계에서 오래된 시대들의 부활은 마치 아방가르드 미술 시대의 이미지를 십분 활용해서 현대에 '실험적'이라는 말을 덧붙이는데 사용되거나 당시 유행한 추상미술의 잔재를 참조하는 경향까지 이어진다. 또한 구체적 대상을 모방하는 구상 미술의 경향은 재현을 통해서 사진이 갖는 사실성을 추구하는 듯 보이지만 현대에 들어선 물감이 지닌 회화성을 강조하고 표현함으로서 유럽 미술의 황금기를 재현하려는 것처럼 보인다.  대화와 의견 충돌의 간극처럼 과거와 진취의 대화. 이 둘의 상관관계는 마치 과거는 진취성을 위해 포기해야 하는 것처럼 연상되지만 이 둘의 사이는 동시대 미술에서 반대말이 아니라 같은 말처럼 존재한다. 진취적인 것이 마치 과거를 인용하거나 과거를 타파하는 듯이 연출해야 하지만 실제로는 과거 속에서 이미 나타난 거창한 발표문과 다를 바가 없기 때문이다. 그런 이유로 시대 미술은 이미 종료했다. 가득 채워진 것처럼 보이는 모든 곳에는 창조를 피력하는 미사여구로 가득하지만 실제로 많은 창작이 참조성을 바탕으로 만들어지고 있다. 창조적 참조, 이 말이 동시대 미술을 관통하는 한 문구가 아닐까. 그 참조의 단계 속에는 재조명, 재조정, 재구성을 바탕으로 운용되는 일련의 기계 장치와도 같다.   현재의 미술은 교육된, 제도화된 미술의 형태이며, 소비되는 미술의 한 형태가 강력히 문화와 사회 속에 자리잡은 것일 수도 있다. 미술관이나 서적에 쓰이는 눈에 띄게 소비되는 미술의 모습이 하나의 시대 양식을 이루어낸 듯 보이지만 실제로는 미술사에서 이미 나타난 카테고리에 포함된 수많은 레퍼런스를 활용한 시각적 운용에 머무른다.  이를 탈피하기 위한 노력들이 비엔날레에서 이뤄지고 있음에도 그러한 경향 또한 동시대 미술이 낳은 한 가지의 미술의 형태일 뿐이며 과도기적 긴장을 발생시키는 전위성을 가진 무엇으로 존재하는 것이 아니다. 이러한 다각화되고 평평된 얽힘이 '범국가'적 상태를 만들어내는 것처럼 보인다. 미술은 점차 행정 체계와 결합하기 시작한다. 다수가 말하려는 작업 개념은 겹치지 않으려는 의도를 보존하며 상보적 방향성을 유지하면서 그러한 개념에서 뻗어 나온 하위 개념에선 서로의 필수적인 부분을 적절한 규모나 소규모로 수용하여 서로의 영향력과 확장성을 보존하는 그런 방식으로 귀결한다. 그렇게 하위 계로 내려갈수록 가외성을 갖고 상호 보완한다.  이 방식을 통해 동시대 미술이 가진 공회전 속의 발달 지연에 대한 반작용으로서 변인을 계속 축적해 시대의 실패를 예방하고 패러다임에 변화에 대한 여분의 기회를 계속 마련해 두는 것이다. 비록 국가적 상태의 지속이 일어나더라도 창작자와 창작자 사이에는 실질적으로 연관성을 가지기 위해서는 다수가 모여 특정 프로젝트를 진행한다던가 사기업에서 만든 문화 사업, 실제 정부기관에서 만든 문화 정책을 받아들이는 방법을 사용해야만 하지만 그마저 순간적일 뿐, 큰 틀 안에서 미술계가 가시적으로 확인 가능한 국가적 모습은 알아차릴 수 없지만 우리가 알 수 있는 사실은 미술은 추구하는 공동의 목표가 한 예술적 통찰이라는 정의할 수 없는 추상적 목적이 있으며 '정부'로 여길 만한 하나의 정점 구조도 없는 수없이 얽힌 통신망일 뿐이라는 점이다.  오히려 그러한 구조임에도 불구하고 개별 기계장치들이 제 역할을 다하듯 서로는 참조하는 바가 서로 다르고 겹쳐질 수 없는 성향을 띤다. 자연적으로 발생한 다원 주체들이 자신 스스로 어떤 시대를 참조하고 있는지에 따라 그런 경향에 맞게, 그리고 방향에 맞게 정렬되고 분류되어 자리 잡고 유기적으로 퇴화하거나 진화한다. 동시대성은 이런 상태를 가능하게 한다. 그뿐만 아니라 통제의 정점, 앞서 나가는 것이 없으니 통제의 주체가 있을 수 없다. 동시대는 곧 공시대라고 했으니 아마 국가적 상태의 모습은 특정 권력자가 존재하지 않는 거버넌스 구조라고 할 수 있겠다. 한때, 자연상태에서 리바이어던을 떠올리는 홉스가 상정한 자연상태의 가상 군상들이 있었다.  동시대 미술에서 나타난 포스트 리바이어던이라는 것은 아나키로부터 반발된 거버넌스적인 유기체와 같지 않나?

작품을 평가하는 방식에 대한 수정방안